FID: Tres días que estremecieron al mundo (del diseño)

En marzo, San José fue el epicentro internacional del diseño, esa enfermedad contagiosa y lúdica.

Para ellos no es un trabajo de 8 a 5 ni un pasatiempo: es un apostolado al que algunos se adscribieron desde su infancia y al que otros se sumaron ya entrados en edad. Cuando el mundo sugiere estándares de rutina, planes de vida resueltos y que ya todo está inventado, ellos, desde su Mac o desde su lápiz, nos muestran nuevas posibilidades, nuevas soluciones y, por qué no, nuevos problemas.

Del jueves 10 al sábado 12 de marzo anterior Costa Rica comió diseño a doble cachete: gráfico, industrial, arquitectónico, de moda, editorial, ilustraciones, arte interactivo... Todo encauzado desde el primer Festival Internacional de Diseño, en el Gimnasio Nacional, y con talleres particulares y selectos.

Más de 15 diseñadores de primer nivel subieron a tarima para contar de su obra y su manera de entender el oficio -aunque en más de una ocasión el sonido no estuvo de su lado ni mucho menos a su altura-. Cerca de 1500 diseñadores y estudiantes más tomaron las graderías, como si de un culto religioso se tratara. Aunque la comparación no es del todo descabellada.

Cuento y recuento
El primer día incluyó el mundo de líneas gruesas y toros en dos patas de Mikel Urmeneta que, como un toro en dos patas, embistió con su buen humor y su buen negocio: desde un souvenir para las fiestas de San Fermín, en España, Urmeneta ha desarrollado su empresa de ilustración y diseño copando el mundillo de las camisetas. Camisetas que, eso sí, él no usa para no sentirse una valla publicitaria andante y despeinada. Luego, el arquitecto nacional Juan Robles se propuso alentar en torno al momento clave del diseñador y la hoja en blanco. Máximo Tuja, la diseñadora de culto Luba Lukova, Godoy y Deanne Cheuk cerraron el primer día.

Las expectativas para el viernes eran altas. Matthew Ramaux (Misericordia) junto a Jose Antonio Mesones presentaron Ma-Go, agencia de lo-que-sea: desde diseño gráfico en portadas de discos hasta montajes escenográficos. Luego, el costarricense Jose Gamboa hizo mella en la audiencia más joven, subrayando una y otra vez la necesidad de trabajar duro para, como él, superar incluso sus propias expectativas.

La ilustradora de moda Paula Sanz Caballero tejió su discurso como sus propias obras, tomando un pedazo de aquí, otro de allá... contando de cuando fue aeromoza y de su amor entrañable por la soledad y el diseño. La pareja conformada por los íconicos Seymour Chwast y Paula Scher, corrió el telón del segundo día.

El último día, con Lucho Chumpitazi y La Cabeza a la cabeza, estuvo opacado por los problemas de audio en la presentación de los mexicanos Michel Rojkind y Alberto Villareal. Sin embargo, el diseñador gráfico estadounidense Joshua Davis salvó el día con su diseño interactivo através del sonido y su personalidad irreverente.

Luego de 3 días y 17 maneras de tirarse desbocado en alguna arista del diseño -o varias a la vez-, queda esperar el 2012 y la promesa de los organizadores de un segundo evento. Eso sí, es seguro que ninguno de los los 1500 diseñadores y estudiantes asistentes esperará con las brazos cruzados ahora que han sido infectados. ¡A diseñar!

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la edición impresa.

Por: Randall Zúñiga, periodista* rzuniga@nacion.com / Fotografía: Kattia Vargas, Adrián Soto y cortesía de los organizadores

¡Avemaría pues!

El urbanismo democrático se afianza en Medellín, Colombia, calle a calle, plaza a plaza, apalancando el resurgimiento milagroso de una ciudad que muchos creían perdida.

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La modernidad consolidada

La Costa Rica de los años sesenta vio imponerse al “Estilo Internacional”.

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Entrevista fugaz con el diseñador y maestro Félix Beltrán.

Félix Beltrán es su marca de nacimiento. Diseñador gráfico y artista plástico salió de Cuba no por el socialismo, sino por la falta de socialismo, dijo. Forma parte de la forma y el contenido del diseño gráfico contemporáneo. No hay preguntas en la entrevista, solo Beltrán.

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Luba Lukova – Graphic Guts

- Cuéntenos un poco de su formación, tanto política como artística.

Bueno, yo nací en Bulgaria, y crecí y estudié diseño gráfico allá durante el régimen comunista. Tras la caída del Comunismo, empezamos a mandar nuestro trabajo a exhibiciones en otros países. Me invitaron a Estados Unidos y justo antes de volver a Bulgaria pasé por Nueva York, y vi el New York Times, vi que tenían ilustraciones y pensé que yo podría hacer eso, así que fui y les enseñé mi trabajo – y me contrataron.

- Háblenos un poco de su serie Justicia Social.

Hace dos años empecé mi propia editorial y decidí empezar publicando trabajos sobre los temas que más me importan, algo más grande que tu ego como artista, algo con lo que mucha gente se pueda identificar. Y llamé al proyecto Justicia Social, el nombre más banal del mundo, para poder incluir todo lo que yo consideré que tenía que ver con este gran tema. Así que publiqué esos trabajos y se volvieron muy populares…

- Así que se hizo popular haciendo exactamente lo que quería hacer.

¡Exactamente! Y creo que esta debería ser una lección para todos nosotros, que si uno tiene algo dentro de sí debería hacerlo; vivimos en una época en la cual se puede publicar tan fácilmente en internet, hay tanta posibilidades que no existían hace 15 años.

Ahora estoy trabajando en un libro nuevo en el que presento más de este tipo de trabajo político y social y en el que explico mejor mi proceso creativo… además de demostrar que no hay por que ser un pobre artista, uno expresa lo que siente y la gente va a empezar a seguirte, pues hay tanta necesidad de decir cosas importantes, y el diseño puede ser mucho más que solamente decoración. Este libro nuevo se llama Graphic Guts (entrañas o valentía gráficas).

- Existe un aspecto muy físico en su trabajo, una estética muy artesanal.

Sí, yo dibujo a mano. No me gusta Illustrator porque le da al trabajo un aspecto demasiado nítido, demasiado perfecto. Claro que uso la computadora como todo el mundo, pero nunca dejo que la computadora me controle a mí, yo la controlo a ella. Me parece que el ser hecho a mano hace a mi trabajo más inmediato y más cálido. Solo quiero comunicar una idea.

Usted tiene obras en las colecciones permanentes del MoMA y de la Biblioteca del Congreso en Washington DC. ¿Hay algún trabajo del que esté especialmente orgullosa?

Pues sí. Estoy muy orgullosa de que la obra mía que compró el MoMA es el primer afiche que hice después de graduarme en Bulgaria. Así que hay que ser responsable de cualquier trabajo que uno haga, hasta del primero, ése que uno cree que nadie va a ver. Nunca se sabe. Hay que dar siempre lo mejor de sí.

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la edición impresa.

Lucho Chumpitazi
- Lingo

Después de escuchar su conferencia “El Elemento socio cultural como referente de un estilo gráfico original”, lo seguimos a la sala de prensa para saber más de su trabajo. De cerca, su modo es tan enfadado como de lejos, con el alivio de que en realidad no hay enojo, es más una emoción en forma de interrogante.

Sin duda, lo de Lucho es comunicar y su particularidad: siempre invitar a la reflexión. En un mundo que empuja cada vez más hacia una homogeneidad global, Lucho sin afán de navegar contra corriente dice: “hay que apropiarse de algo, no es que te apropies necesariamente de algo solamente cultural, en realidad es la idea de apropiarte de algo…así hay una revalorización de lo de uno…”.

Proveniente del Perú, la búsqueda de Lucho es adaptar lo tradicional a lo contemporáneo, ya que “la idea clara es determinar qué elemento o costumbre regional debe ser cuidado, como cualquier especie extinta, para que no se pierda en el tiempo…”.

Después de conversar sobre esta identificación de referentes propios, nos surgió la interrogante de si la búsqueda de la innovación en el diseño realmente impactaba de manera positiva la calidad de vida de la gente. Respondió: “La calidad de vida en vez de mejorar, empeora. Lo que determina la calidad de vida o el nivel de vida no es solo el diseño. La innovación es básicamente a nivel tecnológico…”. Por otro lado, Chumpitazi piensa que “la tecnología bien aprovechada es un recurso de fronteras muy amplias, añadidas al aporte y al talento de cada uno de nosotros, puede llegar a desarrollar lo que queramos…es necesario educarnos ya en términos globales tecnológicamente hablando, pensar en desarrollar una propuesta o producto que no sólo sea difundido o expuesto a nivel regional sino mas allá de nuestras fronteras.”.

De la oportunidad de haber trabajado en Costa Rica hace unos años, entre risas (sin ocultar aquel enfado original) nos dice: “He sido testigo del “no se puede”…hay flojera…pero yo les he dicho: “sí se puede”.

Joshua Davis – un control freak del azar

- Usted siempre está buscando lo nuevo, ¿le parece muy difícil?

No. Yo creo que se trata solamente de atreverse a cometer errores. Vivimos en una sociedad que le huye al fracaso, pero yo estoy convencido de que es imposible tener una idea original o encontrar algo único si uno no está dispuesto a fallar. Yo meto la pata todo el tiempo, desarrollando ideas nuevas la cago y la cago y la cago. Es de esos errores de los que surge lo realmente nuevo.

- Usted empezó a hacer el tipo de arte en computadora por el que hoy es famoso hace unos 15 años…

¡Sí, ese era yo!

- … ¿cuál es la historia ahí?

Básicamente, yo era un pintor con una formación muy tradicional, y me enamoré de las computadoras. Pasé de usar pintura a usar programación.

- Usted es profesor en la Escuela de Artes Virtuales de Nueva York. ¿Cuáles considera que son los puntos fuertes y débiles de sus estudiantes de diseño?

Depende. Al principio daba clases a estudiantes de primer año, y era difícil porque estaban tan emocionados de estar fuera de la casa, teniendo sexo y consumiendo drogas con sus compañeros, que eran un poco difíciles de motivar. Ahora que les doy clases a estudiantes más avanzados, a cada rato tengo que convencerlos de que sé más que ellos. Tengo que librar una pequeña batalla para convencer a esta gente, que ya tiene una estética definida, de olvidar lo aprendido y comenzar de cero.

- Me gusta mucho la forma en que usted mezcla caos y orden, y pone reglas muy estrictas dentro de sus programas – ¿cómo funciona eso?

Lo que hago es reproducir en mis programas algunas de las reglas según las cuales funciona el mundo. Así que el sistema es aleatorio e independiente, pero funciona dentro de ciertas reglas, lo que a su vez produce un dibujo o estructura específicos. Aquí también se trata de atreverse a fallar, de atreverse a jugar con una idea y cometer millones de errores para así encontrar esa cosa nueva, esa sorpresa.

- Y esa sorpresa es resultado del azar pero al mismo tiempo de un control muy estricto.

Súper estricto. Soy un control freak usando el azar.

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la edición impresa.

AGENT | Strategic Intelligence Embassy

Escuchamos al arquitecto Michel Rojkind en su conferencia “Riesgo de Contagio” y al diseñador industrial Alberto Villarreal exponiendo alrededor del tema “Los tres impactos del diseño y la innovación perturbadora”. Además tuvimos la oportunidad de conversar con ellos y preguntarles sobre su proyecto en conjunto: AGENT|Strategic Intelligence Embassy.

En apariencia muy distintos, pero en común la conexión con la realidad de una sociedad que demanda un cambio de pensamiento que ya no solo favorezca y engrandezca los modelos económicos, si no que fortalezca la parte social y sea consciente del medio ambiente.

Michel cuenta que siempre le llamó la atención el diseño industrial y en particular se interesó por el trabajo que estaba desarrollando Alberto fuera de México, así que simplemente lo empezó a contactar vía correo electrónico y de esta manera se conocieron. Como consecuencia positiva de la sonada crisis financiera que recientemente impactó al mundo, Alberto tuvo que regresar a México, donde se encontró a Michel montando los pilares de una empresa de carácter interdisciplinario que requería de un experto en desarrollo de productos. Rojkind dice: “cuando llegó Alberto a México se completó el equipo perfecto porque nos hacía falta alguien con la experiencia y el talento…sobretodo porque yo tampoco me quería meter en un mercado que no era mi mercado. Yo como arquitecto encuentro interesante diseñar un balón de fútbol pero yo necesitaba tener a alguien del equipo que hubiera tenido experiencia en diseño de producto…”.

Así se consolidó AGENT y desde sus inicios andan y a veces hasta corren por la exclusiva vía de la innovación. En palabras de Villarreal, el objetivo de AGENT “no es crear una necesidad que no existe si no más bien detectar una oportunidad o un nicho que no está resuelto y precisamente atacarlo.”. Rojkind lo secunda y agrega: “es volverte un mejor observador, estar más atento y darte cuenta de qué ha cambiado... así ves cómo hay que adaptarse a nuevas necesidades…no es tanto cómo inventar cosas que no sean necesarias…”.

Desde el nombre de su página web www.destroyafteruse.com, AGENT juega con la identidad de un James Bond que lejos de enredarse en amoríos superfluos e incrustar cámaras ocultas en bollos de pan, selecciona sus misiones con técnica de micro cirujano y sensibilidad de terrícola superdotado. Entre sus más destacadas misiones están: CTRUS (HYB-S1), un balón de fútbol que funciona sin aire y con un sistema que detecta su posición exacta (Reddot Design Award, Best of the Best 2010); OLED LIGHTING (HYB-S3), comisionado por KONICA MINOLTA es una exploración para nuevas aplicaciones de la tecnología de iluminación OLED ; CHAIR 200 (HYB-S4), comisionado por TOMO magazine en conmemoración de la celebración del bicentenario de la Independencia de México; MOVE-ON (HYB-S2), una colección de valijas que hacen mucho más que llevar equipaje; y TWIST (HYB-S5), un smart phone diseñado para Aava Mobile Oy.

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la edición impresa.

¡Avemaría pues!

A pesar de las bibliotecas públicas, las fábricas convertidas en museos, el transporte de primer nivel para las clases menos favorecidas y de un paisajismo minucioso en cada glorieta, aun hay quienes enlazan el nombre de esta ciudad con apenas un fragmento de su larga historia.
Medellín fue, durante un par de décadas a finales del siglo pasado, el arma y la herida para sus 2 millones de habitantes. Ahora, la ciudad misma pretende ser la cura.

El doble filo del gueto

Durante la década de 1980 e inicios del 90 Medellín aparecía día a día en los noticieros de todo el mundo como escenario macabro de una guerra abierta contra el narcotráfico. Pero los últimos 15 años han supuesto un cambio radical. El discurso represor se ha volteado hacia una solución integradora: crear espacios públicos de convivencia e infraestructura para todos.

En esta ciudad del norte de Colombia, perteneciente al departamento de Antioquia, la inseguridad y el crimen organizado habían fomentado la creación de guetos de clase en donde el espacio común, para socializar, era mínimo. Aunque lo buscaran, la convivencia entre clases era casi imposible. Pero ese modelo urbano no fue producto exclusivo de la crisis de seguridad.

El crecimiento histórico de Medellín, aunque intentó ser ordenado e incorporar elementos como el río Medellín y espacios públicos al conjunto urbano, propició la segregación de clases, sobre todo hacia mediados del siglo anterior.
Así, amplios sectores de las laderas fueron copados por clases bajas en lotes de hasta 36 metros cuadrados y sectores de clase alta minimizaron la densidad con lotes de 1200 metros, por ejemplo, en conjuntos urbanos sin plazas, parques y, en muchos casos, ni siquiera aceras.

La transformación

Con la llegada del alcalde Alonso Salazar, a finales de la década anterior, y de Sergio Fajardo posteriormente, promesas usuales de campaña -como la creación de plazas y bibliotecas- tomaron forma: los impuestos y las utilidades de Empresas Públicas de Medellín (EPM) comenzaron a materializarse en espacio público e inmuebles como las bibliotecas en barrios marginales y un hito cumbre: el Metrocable.

El impacto de esta reintegración fue inmediato: el número de homicidios bajó en esos años hasta un 80%. A este desarrollo se le han sumado proyectos modelos como la Biblioteca Parque España, de Gianzarlo Mazanti.

Esa mezcla de obra pública en espacios deprimidos o para segmentos marginados de la población se repite en decenas de centros deportivos o culturales, como las 54 escuelas Populares del Deporte del Instituto de Deportes y Recreación, la rehabilitación de una fábrica siderúrgica para una sede del Museo de Arte Moderno de Medellín, del antiguo edificio de la compañía de electricidad local para el Museo de Antioquia o la Plaza Botero, en sus alrededores.

La ciudad, siempre devota de las flores, la moda y el comercio, pasó de estar sitiada y negarse a sus propios ciudadanos a abrirse a través del arte y la educación, con el urbanismo democrático como motor y como ruta. 

*Adaptación para Revistasucasa.com, el artículo completo se encuentra en la edición impresa.

La modernidad consolidada

Por Andrés Fernández, arquitecto e historiador

En enero de 1958, mientras en la Ciudad Universitaria las obras que se levantaban con toda celeridad, ostentaban las líneas rectas y precisas de la arquitectura moderna; en el centro de la ciudad capital caía demolido el Palacio Nacional.

Sus líneas neoclásicas ya eran de otro tiempo. Su demolición entonces, simbolizaba el cambio en el modelo político, económico y social del país, del liberalismo ‘a la tica’ al intervencionismo estatal de la Segunda República. No en balde, para ocupar toda la manzana, se decidió erigir en cambio, el ícono del nuevo Estado: el Banco Central de Costa Rica.

Arquitectura y Estado

Efectivamente, desde mediados de la década de los años cincuenta, venía el Estado construyendo en arquitectura moderna algunas de sus obras; la más importante de las cuales había sido la del Aeropuerto Internacional en El Coco, Alajuela, en 1955.
Igualmente, si la modernidad arquitectónica se había manifestado ya en la estatización bancaria con la construcción del nuevo edificio del Banco Anglo Costarricense, en 1957; la piedra de toque del nuevo esquema bancario que respaldaría a la Segunda República, era el Banco Central.

Diseño del arquitecto Jorge Escalante van Patten, su construcción se inició en 1959, y fue terminada en 1963; mas si por su volumetría pura, el uso del concreto armado, de los enchapes de mármol y de los grandes paños de vidrio es totalmente moderno, su esquema simétrico y la amplia perspectiva que le brinda su plaza frontal, remiten más bien a la voluntad de poder expresa en los grandes proyectos desde la antigüedad.

Estatales también, diseñadas en el Ministerio de Obras Públicas y Transportes, son también una serie de escuelas, colegios y palacios municipales que venían construyéndose desde la década anterior y continuaron en esta; casi todos obra de los arquitectos Teodorico Quirós y ‘Felo’ García. Del primero, aunque formado en la escuela ecléctica, cabe destacar como notables ejercicios racionalistas el Palacio Municipal de Cartago (1950) y la Escuela República de Perú (1969).

En cambio, la formación académica de García era idónea para la arquitectura del momento; y de él hay que señalar escuelas como la Fidel Chaves de La Ribera de Belén (1952) y la Rafael Moya de Heredia centro (1960), donde se pusieron en práctica nuevos conceptos espaciales para los edificios educativos destinados a la primaria, sobre todo en lo relativo a la escala de los mismos y a una articulación más libre de sus pabellones de aulas.

De conceptos climáticos, a su vez, se nutrieron los edificios que diseñó entonces García para colegios como el de Puntarenas (1954) y el Diurno de Limón (1957); sin que dejaran de privar en ellos por eso, la racionalidad que por demás signan otras de sus obras, como el Palacio Municipal de Santo Domingo de Heredia (1953), el Auditorio del Colegio Castella en Sabana Norte (1959) y el puesto fronterizo de Peñas Blancas (1960), en La Cruz, Guanacaste.

Salud pública y arquitectura

Uno de los ejes republicanos en que hubo total continuidad en esos años, fue el de la salud pública. Si en el período liberal esta había sido una preocupación esencial, la creación de la Caja Costarricense de Seguro del Social fue la consolidación de su mecanismo más efectivo. Esa institución construyó entonces uno de los edificios más importantes desde el punto de vista del imaginario urbano: nuestro primer “rascacielos”, como fue llamado.

Construido entre 1962 y 1966, es un elegante diseño de los arquitectos Rafael Sotela y Carlos Vinocour, y en su silueta asimétrica no falta casi ninguno de los rasgos característicos del Movimiento Moderno: muros cortina, plataformas, rampas, y destacando el acceso, unos estilizados pilotes que hacen de astas de bandera y sostienen las losas en voladizo que techan el espacio semiurbano de la entrada, que lo integra urbanamente a la arteria de la Avenida Segunda.

En su esfuerzo por universalizar la seguridad social, y antes de emprender la construcción de su vistosa sede, la CCSS por su parte, había gestionado ante el Instituto Mexicano de Seguridad Social, la donación de un moderno hospital en San José. Para supervisar el desarrollo de esa obra, en 1962 llegó al país el arquitecto Alberto Linner, que pronto se integró al medio profesional y, ante los atrasos sufridos por el que sería el Hospital México –inaugurado hasta 1969-, se ocupó del diseño de varias de las nuevas clínicas periféricas.

Vivienda, comercio y arquitectura

En cuanto a la arquitectura moderna residencial, al barrio Los Yoses -pionero en la tendencia del suburbio moderno-, vinieron a sumársele en Montes de Oca los barrios La Granja y Dent, con casas diseñadas por los nuevos arquitectos que llegaban de Estados Unidos, México o Brasil.

Al desarrollo de esos nuevos suburbios de clase media alta, respondió el Estado con el proyecto de la ciudad-satélite de Hatillo, destinado a los sectores medios bajos y obreros de la ciudad capital. Ahí, el Instituto Nacional de Vivienda y Urbanismo, creado en 1954, desarrolló desde el año siguiente ese conceptourbanístico moderno; acompañado de un esquema de prototipos de vivienda que, al recibir las modificaciones impuestas por la realidad financiera, resultó en casas con pretensiones funcionalistas, pero no siempre resultados habitables.

La arquitectura moderna en su modalidad multifamiliar, por otra parte, había recibido un primer impulso en los años cuarenta, los Apartamentos Modernos del arquitecto José Francisco Salazar, en pleno centro capitalino (calle 1ª y avenidas 3ª y 5ª); mientras que en 1954 el INVU, en un acierto que no supo o no pudo repetir luego, desarrolló la primera etapa de los multifamiliares de Calderón Muñoz, en el barrio Vasconia al sureste de San José, tomando como modelo la Unidad de Habitación de Marsella de Le Corbusier.

Sintomático de una década signada por la llamada ‘edad de oro’ de la clase media costarricense, es que esta se abriera en el eje sur de La Sabana con el edificio del Colegio de Médicos y Cirujanos, en 1960; y se cerrara en 1969, sobre la misma vía, con el Costa Rica Tennis Club, de los arquitectos Jorge y Carlos Escalante van Patten. Y fue así como en esa década, y con proyectos como los reseñados, que se consolidó la modernidad arquitectónica en San José y se proyectó a Costa Rica.